Découvrez des femmes graphistes inspirantes

Il arrive souvent que le public non expert ne connaisse que quelques noms des artistes les plus célèbres du graphisme et, presque toujours, ce sont des hommes. Cela est dû en grande partie au fait que jusqu’au milieu du XXe siècle, les écoles et les cours de design les plus importants et les plus riches étaient principalement réservés aux étudiants masculins, mais ensuite, heureusement, les choses ont changé et les femmes ont finalement gagné leur place dans le monde du design graphique.

Depuis lors, de nombreux progrès ont été réalisés et il existe de nombreux noms d’artistes qui se sont distingués dans ce domaine, devenant souvent célèbres pour la création de logos qui sont devenus de véritables cultes, mais pas seulement.

Voici donc une revue des graphistes les plus célèbres qui ont réellement marqué l’histoire et qui peuvent être aujourd’hui une source d’inspiration pour tous les amoureux du graphisme.

Mary Blair, l’illustratrice de Disney

Mary Blair n’était pas seulement une graphiste, mais aussi une illustratrice : les œuvres qui l’ont rendue célèbre dans le monde entier sont certainement celles réalisées pour Walt Disney, ou les animations de films tels que Alice au pays des merveilles, Cendrillon et Peter Pan. Juste après la sortie de ce dernier, Mary a décidé de quitter Disney et de créer sa propre entreprise ; en tant que designer indépendante, elle a créé des œuvres publicitaires pour de nombreuses grandes entreprises américaines. Son style a fait école grâce au choix d’utiliser des couleurs vives et des combinaisons de couleurs audacieuses qui rappelaient l’art du peintre allemand Josef Albers. En 1991, Mary a reçu le Disney Legends, une récompense réservée à ceux qui ont contribué au succès de la Walt Disney Company grâce à leur talent. Aujourd’hui, les œuvres de Mary peuvent être admirées dans les théâtres et les parcs à thème de Disney, mais pas seulement, puisque nombre de ses illustrations sont encore imprimées aujourd’hui.

Les affiches du MIT de Jacqueline Casey

Originaire de Quincy dans le Massachusetts, Jacqueline Casey est internationalement reconnue pour les affiches qu’elle a créées pour le Massachusetts Institute of Technology (MIT). Ces affiches étaient généralement conçues en choisissant des images ou des écrits aux formes et aux couleurs à fort impact, accompagnés de textes plus petits au contenu informatif. Ce choix de composition n’est pas du tout fortuit, comme l’explique Casey elle-même : “Mon travail consiste à capter les gens avec une image surprenante qui attire immédiatement leur attention, puis à les inciter à lire le message écrit en petits caractères et surtout à visiter l’exposition que l’affiche annonce”. Une méthode qui peut certainement servir d’exemple pour ceux qui veulent créer et imprimer des affiches pour des événements.

Elaine Lustig Cohen, entre modernisme et avant-garde

Elaine Lustig Cohen était une grande artiste, archiviste et graphiste américaine. Elle est surtout connue pour son travail entre les années 1950 et 1960, au cours duquel elle a réalisé plus de 150 créations graphiques pour des couvertures de livres et des catalogues de musées, mais sa contribution va en réalité bien au-delà : Elaine a en effet joué un rôle important dans l’évolution du graphisme moderniste américain et a réussi à y intégrer l’avant-garde européenne pour expérimenter de nouvelles techniques et créer un tout nouveau code visuel. Au cours de sa carrière, elle a travaillé dans divers médias et, en 2011, elle a également reçu une médaille de l’AIGA pour ses réalisations dans le domaine du design graphique.

Muriel Cooper et les nouveaux défis de la technologie

Muriel Cooper a véritablement été une pionnière dans le domaine du graphisme : bien qu’elle n’ait jamais étudié la programmation, elle a su voir les possibilités offertes par la technologie qui se développait à grande vitesse dans les années 1970. Elle a donc travaillé en étroite collaboration avec des programmeurs et des ingénieurs informatiques pour expérimenter de nouveaux concepts dans la production de médias et d’informations et de matériel graphique. En plus d’être designer, elle a été chercheuse et directrice de MIT Press, la maison d’édition du Massachusetts College of Art (MIT) ; dans cette école, elle a également été la fondatrice du Visible Language Workshop et cofondatrice du MIT Media Lab.

On se souvient aujourd’hui de Muriel non seulement pour sa perspicacité et ses explorations des possibilités offertes par les nouvelles technologies, mais aussi pour sa refonte graphique du livre du Bauhaus à l’occasion du 50e anniversaire de l’école allemande de design.

Carolyn Davidson et l’histoire de Nike

Lorsqu’elle a rencontré le professeur Phil Knight, Carolyn Davidson n’était qu’une étudiante : c’est lui qui lui a proposé un emploi chez Blue Ribbon Sports, la société qu’il a cofondée et qui importait les Onitsuka Tiger, les chaussures de basket japonaises qui faisaient fureur dans les années 60. Knight avait décidé de diversifier et de distinguer de manière plus prononcée les produits importés de ceux créés par l’entreprise elle-même, il a donc demandé à la jeune femme de créer un logo qui pourrait mettre en valeur les nouvelles chaussures de football Nike pour les rendre attrayantes aux yeux du public.

Carolyn a réalisé de nombreux modèles mais aucun ne semblait bien se passer, à la fin le professeur a choisi ce qu’il considérait comme “le moins pire” et que, entre autres, il semble que même la designer elle-même n’aimait pas ; le travail a été payé seulement 35 dollars. Et c’est ainsi qu’est né le “swoosh”, un symbole simple mais efficace pour rendre l’idée de mouvement, exactement l’effet souhaité par le propriétaire de Blue Ribbon Sports pour ses chaussures de course. Après seulement 6 ans, grâce à l’énorme succès, la société a pris le nom de Nike. Tout le reste est de l’histoire ancienne.

L’iconographie vintage de Louise Fili

D’origine italienne, Louise Fili est devenue l’un des maîtres du graphisme grâce à son utilisation élégante, vintage et originale des caractères typographiques. Née dans le New Jersey, mais fille de deux professeurs italiens, Louise dit avoir toujours été intéressée par le design, “avant même de savoir ce que c’était”. Enfant, elle gravait des lettres sur les murs, dessinait des couvertures de livres et créait des manuscrits enluminés avec des paroles de Bob Dylan. Le tournant de son éducation a eu lieu lorsque, adolescente, elle a visité pour la première fois le pays natal de ses parents : de ce voyage est né son amour pour l’Italie et, plus tard, pour le modernisme, l’art européen et les styles déco. Au cours de ses voyages ultérieurs sur le vieux continent, Louise a développé un amour pour l’iconographie vintage : pour cette raison, elle a trouvé et collecté de vieilles enseignes de magasins et de restaurants qu’elle a ensuite immortalisées dans une collection photographique intitulée “Graphique de la rue”. Partant de cette passion, Louise s’est ensuite spécialisée dans la conception de restaurants et l’emballage alimentaire. Ses œuvres font désormais partie des collections de la Bibliothèque nationale de France, de la Bibliothèque du Congrès des États-Unis et du Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum à New York.

April Greiman et la nouvelle vague

April Greiman a été l’un des premiers graphistes à tirer le meilleur parti des nouvelles technologies et, en particulier, des logiciels Macintosh, amorçant ainsi une véritable révolution dans le domaine du graphisme. La créatrice, avec sa proche collaboratrice Jayme Odgers, a participé à la naissance de ce que l’on a appelé la New Wave du design américain entre les années 70 et 80, un mouvement qui a ensuite impliqué de nombreux autres designers dans l’intention de rompre complètement avec la tradition et de donner libre cours à la créativité et à l’expression graphique sans aucune limite. April est devenue une véritable icône de ce courant : son travail touche toutes les sphères du design contemporain, de la communication à la vidéo en passant par la mode et l’architecture.

Les icônes de Susan Kare

Définie comme la “Betsy Ross de l’ordinateur”, Susan Kare est célèbre pour avoir créé les icônes de l’interface graphique du premier Macintosh. En effet, quiconque a utilisé les premiers appareils Apple se souvient certainement de l’icône de l’ordinateur souriant qui apparaissait au démarrage du système, ou de l’icône en forme de bombe qui apparaissait lorsque le système tombait en panne. Susan est également responsable des icônes qui, avec peu de couleurs et une faible définition, rendent parfaitement l’idée des commandes copier, couper et coller, ainsi que de certaines polices qui lui ont été commandées et qu’elle a décidé de nommer d’après les gares de Philadelphie. Steve Jobs a toutefois estimé que ces noms n’étaient pas adaptés d’un point de vue commercial et les a remplacés par New York, Genève et Chicago. Les autres œuvres de Susan sont toujours exposées au MoMA de New York dans l’exposition permanente intitulée This is for Everyone : Design Experiments For The Common Good.

Le catholicisme pop de Corita Kent

Corita Kent était une sœur de l’Institut catholique Cœur Immaculé de Marie à Los Angeles, une enseignante et aussi une artiste qui s’est fixé pour objectif de transmettre les messages de foi, de paix et d’amour de sa religion à travers ses créations et de toucher ainsi les classes les plus faibles. Pour ses œuvres, elle utilise principalement la sérigraphie, ce qui lui permet de “faire de l’art original pour ceux qui ne peuvent pas se permettre l’art”. En utilisant des techniques de typographie commerciale, Corita a réussi à combiner son catholicisme fortement progressiste avec le pop art, à travers un style fait d’écritures colorées qui rappellent le monde de la publicité. À tout cela, elle associe des citations d’une certaine profondeur, comme celles de Martin Luther King Jr, Samuel Beckett et John Lennon ; proche d’Andy Warhol et de John Cage, elle devient avec ses messages une véritable icône des mouvements pacifistes et de la révolte contre le système qui caractérisent les années 60 et 70. Elle a ensuite décidé d’abandonner le voile et de se consacrer totalement à l’art et au militantisme lorsque son œuvre a été définie comme blasphématoire par les autorités ecclésiastiques locales et que son institut religieux a dû fermer en raison de désaccords avec ces mêmes autorités, qui le jugeaient trop libéral, voire communiste.

L’activisme féministe de Sheila Levrant de Bretteville

En plus d’être artiste et graphiste, Sheila Levrant de Bretteville est également enseignante. Toute sa carrière est liée à ses idéaux féministes et d’inclusion sociale, qui ressortent fortement dans toutes ses œuvres et dans ses collaborations avec d’autres artistes de son époque. Mais outre son art, son nom est lié à l’enseignement de celui-ci : en 1971, elle a fondé le premier cours de design pour femmes à CalArts. En 1990, elle est également devenue la première femme à diriger le cours supérieur de graphisme de l’école d’art de l’université de Yale, l’un des plus anciens dans ce domaine. En 2004, elle a reçu une médaille de l’AIGA pour son importante contribution au domaine du design.

Les polices de caractères controversées de Zuzana Licko

Originaire de Tchécoslovaquie, Zuzana Licko s’est ensuite installée en Amérique où elle a obtenu un diplôme en communication graphique à l’université de Californie à Berkeley. Plus tard, avec son mari, le typographe et graphiste Rudy VanderLans, elle a fondé la société Emigre Graphics, qui est devenue célèbre dans le monde entier grâce à la publication du magazine homonyme, dont l’objectif était de réfléchir à l’importance du graphisme dans la vie quotidienne à notre époque. Le couple devient alors pionnier des nouvelles technologies, notamment des ordinateurs Mac, avec lesquels il crée des polices de caractères originales et innovantes qui connaissent un succès immédiat, malgré les critiques des puristes de la typographie. Cela n’a pas empêché les polices de Zuzana d’être utilisées pour les campagnes de grandes entreprises, parmi lesquelles Wind, McDonald’s et Ferrarelle.

Art déco et constructivisme russe dans l’œuvre de Paula Schern

Considérée comme l’un des graphistes les plus influents au monde, Paula Scher a souvent été décrite comme une “magicienne” de la transformation des images en quelque chose d'”instantanément familier”. En tant qu’artiste, elle parvient également à combiner la culture pop et les beaux-arts, et son travail fait désormais partie de l’imaginaire collectif, notamment aux États-Unis, son pays d’origine. Paula a hérité sa passion pour les cartes et la typographie de son père, l’un des principaux experts en cartographie moderne. Ce qui l’a rendue célèbre, cependant, c’est son approche expérimentale qui combine l’art déco et le constructivisme russe dans le but d’associer la publicité et les besoins commerciaux à la créativité. En outre, on ne peut manquer de mentionner l’une de ses œuvres les plus célèbres, le logo de Windows 8, un symbole désormais universellement connu.