Tout savoir sur Paulo Ito et ses graffitis qui dérangent au Brésil

Un graffiti représentant un enfant noir pleurant de faim devant une assiette garnie d’un ballon de football est devenu le premier phénomène internet du Mondial brésilien. L’image a été réalisée par l’artiste de rue Paulo Ito sur le mur d’une école de Sao Paulo. L’auteur s’est déclaré surpris du succès de son oeuvre

Decouverte sur les graffitis de Paulo Ito

Les graffitis de Paulo Ito ne sont pas du genre inoffensif. Le peintre de rue est devenu internationalement célèbre après avoir réalisé une œuvre critiquant vertement la Fifa lors de la Coupe du monde au Brésil. Dans l’œuvre, un garçon pleure de faim face à une assiette qui ne contient pas de nourriture, mais un ballon de football.

Dans les rues de la ville de São Paulo, notamment dans la zone ouest, les dessins d’Ito incitent le public à réfléchir à des questions telles que le ruralisme, l’exploitation capitaliste et le tourisme sexuel. Les dessins ne sont pas là uniquement pour colorer les murs, mais pour représenter une lutte. Ce sont des dénonciations qui apportent une attention plus critique aux problèmes sociaux. L’artiste s’est exprimé sur ses idées, ses références et ses positions dans la scène graffiti nationale dans cette interview.

Vous êtes devenu célèbre dans le monde entier pour vos dessins critiques sur la Coupe du monde. Que pensez-vous de projets comme 4KM, qui a réalisé un grand panneau de graffitis sur l’événement et a été sponsorisé par Nike ?

Dans le cadre de ce qu’ils proposent de faire et de ce qui a été fait, on trouve ça intéressant. Les problèmes contre la Fifa sont apparus plus tard, bien qu’ils aient déjà été soulevés lors de la Coupe du monde en Afrique du Sud. Lorsque l’événement a été confirmé au Brésil, le soutien et l’approbation ont été très nombreux. C’est alors que les gens ont vraiment commencé à se remettre en question. Comme le projet 4KM a démarré plus tôt, il n’y avait pas de regard critique. Mais on est sûr que c’était un travail sérieux. Certains artistes, dont on fait partie, ont choisi de ne pas s’associer au projet. Peu de temps après, on a même refusé un emploi dans un club de football pour des raisons de cohérence. On ne voit pas de problème et on ne pense pas que les choses doivent être aussi radicales. Je ne considère pas le travail comme une critique directe du gouvernement fédéral. En fait, on croit qu’elle remet en question plus qu’elle n’affirme ou ne clôt la discussion. L’art suscite beaucoup plus de questions qu’il n’apporte de réponses.

Le sponsoring des grandes marques et l’implication des gouvernements peuvent-ils faire perdre au graffiti, art de la résistance urbaine, son essence ?

Cet aspect subversif qui serait naturel au graffiti s’est perdu depuis longtemps. Actuellement, il y a peu de personnes qui font un travail plus critique. Le fondement du graffiti est le vandalisme et l’illégalité, et non la production de panneaux ou de peintures murales. La subversion est dans l’acte de faire et cette essence n’est pas facile à atteindre. Si l’on se contente d’écrire une phrase sur le mur, celui-ci perd son pouvoir en tant qu’œuvre d’art, car il devient pamphlétaire. Le fait que de grandes marques comme Nike soutiennent les projets ne change pas grand-chose, car la plupart des artistes se fondent dans les moules que l’entreprise trouve idéaux.

Même si c’est contradictoire, une chose finance l’autre. Vous n’aurez pas de production indépendante dans la rue si vous ne pouvez pas investir dans celle-ci, car l’artiste a naturellement besoin de quelqu’un pour acheter son travail. Ça a toujours été comme ça. Il est rare de voir des artistes qui ont eu une certaine projection sans rien investir. Un panneau fabriqué dans la rue n’a pas une faible valeur et de nombreux artistes ne calculent pas ces choses. Ce n’est pas forcément Nike, mais on croit que la plupart d’entre eux n’ont pas de gros problèmes avec ça. On ne critique pas et ne pense pas que de mauvaises personnes fassent ces choix, mais on considère comme louables ceux qui les évitent.

Comment le graffiti stimule-t-il l’interaction des gens avec la ville ? Cet art est-il capable de rendre la métropole plus humaine ?

Le graffiti est un antidote à la grisaille, à la tristesse et à la folie de la ville. On pense que c’est un point de vue pertinent. En fait, les grandes villes sont très difficiles, la vie est vraiment dure. On est d’accord avec le graffeur Ozi, qui dit que le panneau est là pour respirer dans l’atmosphère oppressante de la ville, même si on pense que le graffiti n’est pas seulement cela. Il ne suffit pas d’avoir cette idée comme drapeau. Il est nécessaire d’aller au-delà et d’avoir d’autres visions.

Depuis combien de temps faites-vous du graffiti ?

On a commencé à faire des graffitis dans la rue il y a 14 ans. Au cours de cette période, il arrive de faire le travail illégalement, sans autorisation. Ce qui, bien que ce soit intéressant, ne fonctionne pas vraiment pour vous. Le travail a un début, un milieu et une fin. Elle doit être transmise de manière à ce que les gens puissent la comprendre. Il n’est donc pas toujours possible de le faire sans permission ni préavis. Parfois, il faut un espace autorisé où on peut travailler pendant une journée entière ou plus sans risquer que quelqu’un supprime le travail par la suite. Ça ne marche pas pour vous. Faire les dessins de manière illégale est plus amusant, mais pour vois, c’est quelque chose qui ne communique pas efficacement.

Quels sont vos objets d’inspiration et quel message essayez-vous de faire passer avec vos dessins ?

On n’a pas d’objets d’inspiration, mais quelques œuvres et collègues comme référence. Un artiste qui m’a beaucoup inspiré est Titi Freak. Au début, on pensait que le travail était similaire au sien, mais le ligne a beaucoup changé. Aujourd’hui, c’est un style que on doit conserver car il sert d’outil pour ce dont on veut parler. Lourenço Mutarelli est une autre source d’inspiration pour sa façon d’opérer, pour le fait qu’il a beaucoup cru en un travail difficile et qu’il a bénéficié d’une plus grande reconnaissance à un moment plus récent. C’est un type très important pour vous car il a fait un travail intelligent et a atteint la notoriété sans faire de concessions.

Le message que on essai de faire passer est toujours quelque chose qui suscite une certaine forme de réflexion. Les gens s’accusent de diverses choses et c’est très bien, car cela montre que les dessins dérangent. Il est possible de voir la projection que le public fait des questions qui ne sont pas explicites dans l’œuvre. Il y a quelque temps, une voisine l’a demandé quand elle verrait un couple heureux dans le travail. Elle ne le verra jamais, car c’est quelque chose de clair dans le style. Peut-être qu’elle le verra dans le travail d’autres artistes, il y a beaucoup de gens qui parlent du bonheur parce que c’est le discours idéal dans la publicité. Si cette voisine regarde Rede Globo, elle verra de nombreuses familles heureuses. Ce thème fatigue un peu, et c’est pourquoi il y a des gens qui montrent l’autre côté. Dans le travail, il en sera toujours ainsi. Ce n’est pas un déséquilibre que on aime faire, mais un contrepoint.

Début décembre, le processus de création du plus grand panneau de graffitis d’Amérique latine a débuté sur l’Avenida 23 de Maio, à São Paulo. Le projet est un partenariat entre le secrétariat municipal de la culture et plus de 200 artistes. Que pensez-vous de l’approche des graffeurs avec les pouvoirs publics et la réglementation de cette forme d’art ?

Le fait que l’artiste s’approche de la puissance publique n’est pas nouveau. Combien d’artistes n’ont pas travaillé pour l’Église catholique, qui a une rétrospective négative ? Ce n’est pas différent aujourd’hui et on ne pense pas que ce soit un problème, car l’histoire de l’art a toujours été comme ça. L’administration actuelle de la mairie de Sao Paulo a une vision légèrement plus ouverte. L’administration précédente n’a honoré que certains artistes, ce qui a créé un lien beaucoup moins démocratique.

Cette approche n’est pas un problème, mais une caractéristique. Dans moins de trois ans, vous célébrerez le centenaire de l’art conceptuel. Lorsque l’artiste français Marcel Duchamp a proposé l’œuvre Urinal, qui consistait en une représentation directe d’un urinoir pour hommes, quelque chose qui était une grosse blague est devenu le symbole de l’art contemporain. Cela montre qu’il existe aussi des artistes qui participent à des actions institutionnalisées et s’en moquent, les critiquent, comme l’a fait l’artiste mexicain Diego Rivera lorsqu’il a peint la fresque du Rockefeller Center à New York. Cet alignement contradictoire avec le pouvoir, en même temps qu’il subit la critique, est ancien et se poursuivra dans le street art. Si une œuvre critiquant l’administration actuelle apparaît sur l’Avenida 23 de Maio, ce ne sera pas une surprise.

Où peignez-vous habituellement ? Existe-t-il des différences entre les interventions en périphérie et dans le centre élargi ?

Oui, il y a de nombreuses différences. Naturellement, l’artiste de rue est bien mieux traité à la périphérie. Quand vous vous promenez dans les quartiers les plus pauvres, vous apprenez vraiment à connaître les gens et le quartier. C’est différent que lorsque on peint dans un quartier aisé, où les gens ne se parlent pas, ne se connaissent pas et ont une notion déformée de la propriété. Il n’est pas difficile d’entendre dans ces quartiers quelque chose comme “Pourquoi peignez-vous ça dans ma rue ?”. Comme si la rue appartenait à cette personne, comme si l’espace y était privé. La différence est flagrante. C’est pourquoi il est beaucoup plus confortable de peindre en périphérie, là où les résidents vous demandent de faire votre art dans cet espace.

Les quartiers de classe supérieure n’ont peut-être pas de déficit éducatif, mais ils manquent certainement de compréhension humanitaire et culturelle. Ce public qui aurait théoriquement plus accès aux équipements culturels est celui qui comprend le moins le graffiti. Au fond, tout semble n’être qu’une grande façade. Les personnes à fort pouvoir d’achat ont également un pouvoir politique et, en raison de ce manque de valeurs et de cette distorsion culturelle, elles gèrent la société de manière pauvre et égocentrique. Il ne faut pas non plus oublier que la peinture dans le centre ville est très disputée, puisque c’est là que circule le plus grand nombre de personnes. Cette région a plus de visibilité et tous les artistes gardent un œil sur elle. Puisque l’œuvre n’existe pas par elle-même, elle n’existe que si quelqu’un la voit.

L’entrée des graffitis dans les musées est-elle à la fois une reconnaissance et une limitation de l’expression artistique que le graffiteur a dans la rue ?

On ne pense pas que cela la limitera, car les graffitis n’entrent pas dans le musée ou l’institution. Ce qui peut faire partie de cet espace, c’est le travail d’un artiste qui fait aussi du graffiti. On ne pense pas que cela affaiblisse le graffiti, mais cela donne une bonne visibilité à l’artiste. Peut-être que, finalement, il devra faire une sorte de concession. Il est parfois nécessaire de participer à certains mécanismes qui ne sont pas chers à l’artiste de rue. L’institution a besoin de quelqu’un qui va apporter du public, car elle ne va pas “créer” quelqu’un. Ainsi, le graffiti, l’œuvre de cet artiste de rue, s’adapte et devient une marchandise, un produit. Comme pratiquement tout ce qui vous entoure, dans ce moment que vous vivez où les logiques de marché gouvernent le monde. La rue semble parfois être la seule issue.